José Manuel Infiesta (14. April 1949, Barcelona, Spanien – 8. Oktober 2021, Barcelona, Spanien) war ein spanischer Architekt und Schriftsteller, der sich stark für die Kulturförderung einsetzte. Er gründete und leitete das Europäische Museum für Moderne Kunst (MEAM) in Barcelona, eine Institution, die sich der Ausstellung figurativer Kunstwerke widmet.
Im Juni 2011 konnte das MEAM schließlich unter der Trägerschaft der «Stiftung für Kunst und Künstler» eröffnet werden, einer 2005 gegründeten Stiftung zur Förderung figurativer Künstler. Das MEAM wurde so zum ersten und direktesten materiellen Ausdruck eines Weges der Arbeit und der Bemühungen, die die Stiftung seit ihren Anfängen unternommen hat. Die Eröffnung des Museums war nicht das Ende einer Etappe, sondern der Beginn einer Reise, die in kurzer Zeit weite Bereiche der internationalen zeitgenössischen Kunst beeinflusst hat.
Die Eröffnung dieses Museums stellte einen Wendepunkt in der Durchdringung der figurativen Kunst in weiten Bereichen der modernen Gesellschaft dar und führte zu einem Perspektivenwechsel bei vielen Kunstschaffenden, die zu verstehen begannen, dass die Kunst in unserem Jahrhundert bereits neue Ansätze und Herausforderungen braucht, die sich von den Kanons und Klischees des vergangenen Jahrhunderts stark distanzieren.
Die Anfänge einer privaten gemeinnützigen Stiftung, die weder von einer öffentlichen Einrichtung noch von einem großen Unternehmen oder einem mächtigen Sponsor unterstützt wird, waren nicht einfach; weder die ersten Tage noch die darauf folgenden. Denn kurz nach der Gründung hat die tiefe Wirtschaftskrise die finanziellen Möglichkeiten, mit denen die Stiftung gerechnet hatte, um wachsen zu können, drastisch eingeschränkt. Ihr Gründer, José Manuel Infiesta, Architekt und Bauträger, musste miterleben, wie in den Jahren 2008–2009 alle seine beruflichen Projekte in einem schweren Erdbeben zusammenbrachen, das Architekten und Bauherren an den Rand des Abgrunds brachte. Die Wahrheit ist, dass zu einem bestimmten Zeitpunkt nur sehr wenige Menschen an das Überleben einer Institution glaubten, die mit solchen Anzeichen von Schwäche und ohne institutionelle oder finanzielle Unterstützung gegründet worden war.
Die Stiftung hat jedoch eine unerwartete Basis der Solidität und eine weitreichende Unterstützung in bestimmten Bereichen der Gesellschaft gefunden: es sind die Bemühungen der Künstler selbst. Es ist die Unterstützung von Tausenden und Abertausenden von Autoren, die die Stiftung Jahr für Jahr mit ihrer Anerkennung belohnen und die Stiftung zum wirklichen Ausdruck des Kampfes eines jeden von ihnen um die Anerkennung durch die Gesellschaft gemacht haben. Tatsache ist, dass die Stiftung jetzt das ist und sein wird, was die Künstler wollen. Sie sind der Vorwand, der ihre Existenz rechtfertigt. Und je größer der Zusammenhalt und die Einheit zwischen ihnen ist, desto mehr Rechtfertigung wird die Stiftung haben, der Welt ein kollektives Werk zu präsentieren, das entschlossen ist, nicht weiter von den Seiten der zeitgenössischen Kunstgeschichte ausgegrenzt zu werden.
Das MEAM ist zum Tempel dieser neuen Religion geworden, der Religion derer, die bis weit ins 21. Jahrhundert hinein an einen neuen Ausdruck des Zeitgenössischen in der Kunst glauben. Eine Kunst, die nicht mehr mit dem zum Selbstzweck gewordenen Experimentieren konform geht, auch nicht mit dem permanenten Versuch von Formen und Farben, ohne ein endgültiges Produkt zu erreichen, auch nicht mit der Anbetung des Lärms um des Lärms willen, auch nicht mit der Herstellung von zur Langeweile verdammten Filmmontagen. Und dieser neue Ausdruck erfordert wieder eine direkte, ausdrückliche, abgerundete, totale, reale, verständliche und brillante Kunst, die in der Lage ist, Hoffnungen zu wecken und Bewunderung in weiten Teilen der Bevölkerung hervorzurufen, die sich auf diese Weise wieder mit der Kunst ihrer Zeit versöhnen und mit Hoffnungen träumen wird, die heute völlig vergessen sind.
Denn die Kunst muss für den Betrachter leicht assimilierbar sein; sie muss in der Lage sein, seine Sprache zu sprechen, in ihm Hoffnungen zu wecken, Bewunderung zu erwecken und die Truhe der Träume zu öffnen. Die Kunst muss sich an den kleinen Mann auf der Straße richten, nicht an den Gelehrten oder den Spezialisten. Die Kunst muss die Sprache des Volkes sprechen, nicht die der Akademiker.
Der Intellektuelle kann interessante Essays über das Wesen der Kunst schreiben, aber der Künstler lebt nicht von diesen Essays. Die Akademiker können bereits geweihten Künstlern applaudieren, aber das wird ihnen in keiner Weise die Fähigkeit garantieren, in ihrer Zeit zu überleben. Das Einzige, was der Kunst Bedeutung verleiht, ist ihre Fähigkeit, sich mit den Menschen zu verbinden, die Menschen des gleichen historischen Augenblicks zu erreichen, die Sensibilität eines durchschnittlichen Zuschauers zu erreichen und ihn zu verführen. Und um das zu erreichen, braucht man keine Qualifikationen und Diplome. Es reicht, wenn man weiß, wie man schafft.
Die Abstraktion und alle Ismen, die sich im Laufe des 20. Jahrhunderts herausgebildet und weiterentwickelt haben, um mit der Kunst zu brechen, haben schließlich Generationen von Künstlern hervorgebracht, die heute in den Kunstschulen und Museen für zeitgenössische Kunst sitzen und ihren ästhetischen Kanon absolut unnachgiebig in allen offiziellen Institutionen durchsetzen. Das Experimentieren nimmt alle Messen und die aktuellsten Kunstvorführungen in Beschlag, als wäre es sein eigenes privates Reservat. Und der anfängliche Duft der frischen Luft, des Bruchs, der Innovation, fast schon der Bohème, den die Avantgarde von vor hundert Jahren mit sich brachte, ist einem ranzigen, gammeligen Gestank gewichen, repetitiv, formal und, kurz gesagt, langweilig. Denn in Wirklichkeit gibt es nichts Langweiligeres als die ständige Wiederholung dessen, was man für innovativ hält, wenn es bereits den Reiz des Neuen verloren hat.
Die moderne Kunst, die bisher glaubte, sich das Prädikat "zeitgenössisch" exklusiv aneignen zu können, sagt keine interessanten Dinge mehr und beschränkt sich darauf, die Interessen eines Marktes zu wahren, der sie braucht, um nicht zusammenzubrechen. Der Markt für zeitgenössische Kunst ist ein Monster, das sich selbst erhält, das seine heiligen Monster in Formaldehyd-Urnen aufbewahrt und das von Namen lebt, die künstlich berühmt gemacht wurden, die aber inzwischen jede Anziehungskraft verloren haben, und das nur aufrechterhalten wird, solange es in der Lage ist, den "Bluff" auf den Seiten der internationalen Kritik aufrecht zu erhalten.
Was das MEAM präsentiert, was das MEAM repräsentiert, ist einfach eine andere, zutiefst originelle und innovative Art, Kunst in unserer Zeit zu sehen und zu fühlen. Und nach einigen Jahren des Fortschritts wird die Revolution, die in der Welt der Kunstschaffenden für diesen frischen Wind gesorgt hat, allmählich alle Ecken und Enden erreichen und eine neue Art und Weise hervorbringen, wie die Kurse der zeitgenössischen Kunst gestaltet werden.
Es ist eine Rückkehr zu den Ursprüngen, die sie immer wieder vor uns verborgen haben. Es ist eine Rückbesinnung auf den Inhalt der Museen, die sie zu zerstören versprochen haben. Es ist die Anerkennung von Werten, die sie an den Universitäten und Schulen abgelehnt haben und noch heute ablehnen. Es geht um den Wert der Qualität als etwas Wichtiges, das über die bloße Neuheit hinausgeht. Es ist die Rückbesinnung auf die Tradition, die Rückbesinnung auf das künstlerische Handwerk, es ist die Bedeutung der persönlichen Arbeit in der Einsamkeit als grundlegende Quelle des schöpferischen Aktes, es ist die Anbetung des Genies (bis heute diskreditiert), es ist die Anerkennung der Werke der großen Meister wie ein Pfeil, der den Weg weist, dem man folgen soll. Es ist die Rückbesinnung auf Tugenden wie Beharrlichkeit, Beständigkeit, persönliches Schaffen, Hartnäckigkeit und die Verehrung der eigenen Persönlichkeit, gegen die schrecklichen Zumutungen des Marktes, gegen die Vorgaben der Händler und Kritiker, die mit dem System verbunden sind. Es ist die Abkehr von der Demagogie und die Rückkehr zur Intimität des Künstlerateliers, es ist die Rückkehr zum Kult der persönlichen Schöpfung; es ist das Vergnügen, das unermessliche Vergnügen, das höchste Kunstwerk aus dem Ich selbst heraus zu schaffen, durch einen ausgearbeiteten, überlegten und lange ausgeübten Beruf.
Die Sammlung der KONTEMPORÄREN KÜNSTLER DES 21. JAHRHUNDERTS, die eine der leidenschaftlichsten Kunstsammlungen unserer Zeit in unserem Land darstellt, ist eine Hommage an all jene Künstler, die uns auf diesem langen Weg begleitet haben, die mit uns zusammengearbeitet haben, damit ein immer größer werdendes Publikum ihre Werke genießen kann, und die weiterhin mit dem Enthusiasmus arbeiten, ein Werk zu schaffen, das sie überdauern wird, das unser kleines und kurzes Leben übersteigt und das schließlich von der Mehrheit unserer Zeitgenossen bewundert und anerkannt wird.
Das MEAM kann seinen Stolz nicht verbergen, die erste Institution zu sein, die es wagt, eine große Sammlung von Werken aktiver Künstler zu präsentieren, die von der Öffentlichkeit geschätzt und beklatscht wird, und die über einen echten physischen, stabilen und dauerhaften Sitz verfügt. Dennoch sind wir im MEAM auch frustriert, weil wir nicht über die nötigen Mittel verfügen, um die Werke so vieler anderer, ebenso hervorragender Künstler, die in unserem Museum keinen Platz gefunden haben, in diese Auswahl aufzunehmen. Wir hoffen, dass wir diese Situation allmählich ändern können, damit wir immer mehr Künstler in immer mehr Ländern erreichen, in dieser Strömung, die nicht mehr aufzuhalten ist und die die Grundlagen der zeitgenössischen Kunst verändert.
Wir wünschen uns, dass der Besucher, der diesen Raum voller Sensibilität betritt, durch seine Räume schlendert, die vielen und exquisiten Ecken, die er beherbergt, auskostet und das Gefühl des Vergnügens genießt, das ihm die Malerei, die Bildhauerei und die Musik vermitteln wollen, um in ihm eine unauslöschliche Erinnerung zu hinterlassen. Jedes der an unseren Wänden gezeigten Werke soll den Besucher während seines Aufenthalts bei uns begleiten und danach, wenn er in die Außenwelt zurückkehrt, eine schöne, intime und tröstliche Erinnerung in seiner Seele hinterlassen, das Gefühl, dass auch eine andere Welt möglich ist.
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José Manuel Infiesta (14 de abril de 1949, Barcelona, España - 8 de octubre de 2021, Barcelona, España) fue un arquitecto y escritor español muy comprometido con la promoción cultural. Fundó y dirigió al Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) en Barcelona, institución dedicada a exhibir obras de arte figurativas.
Manifiesto en favor de un nuevo concepto para el Arte Contemporaneo
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En el mes de junio de 2011, el MEAM pudo finalmente abrir sus puertas, bajo el patrocinio de la “Fundació de les Arts i els Artistes”, fundación creada en 2005 para la promoción de los artistas figurativos. El MEAM se convertía así en la primera y más directa plasmación material de una trayectoria de trabajo y esfuerzo que la Fundación ha mantenido desde sus inicios. La inauguración del Museo no es el fin de ninguna etapa, sino que fue el inicio de una trayectoria que, en poco tiempo, ha llegado a tener influencia en amplios sectores del arte contemporáneo internacional.
La inauguración de puertas de este Museo ha supuesto un punto de inflexión en el nivel de penetración del arte figurativo en amplios sectores de la sociedad actual, y ha generado un cambio de perspectiva en muchos profesionales del arte, que empiezan a entender que el arte de nuestro siglo necesita ya de nuevos planteamientos y nuevas metas, muy desvinculados de cánones y tópicos heredados del siglo anterior.
Su fundador, José Manuel Infiesta, arquitecto y promotor inmobiliario, vio cómo en los años 2008-2009, todos sus proyectos profesionales se venían abajo en un profundo terremoto que ha dejado a arquitectos y constructores al borde del abismo. Lo cierto es que, en un momento dado, muy pocos apostaban por la supervivencia de una institución que había nacido con tales signos de debilidad y tan huérfana de apoyos institucionales o financieros.
Pero la Fundación ha encontrado una inesperada base de solidez y un amplio apoyo en determinados sectores de la sociedad: Es la fuerza de los propios artistas. Es el apoyo de miles y miles de autores que, año tras año, le han regalado con su reconocimiento y han hecho de la Fundación la plasmación real de la lucha de cada uno de ellos por conseguir un reconocimiento de la sociedad. Y es que la Fundación ya es, y será, lo que los artistas quieran que sea. Porque ellos son su única razón de ser. Ellos son la excusa que justifica su existencia. Y cuanta más cohesión y unidad exista entre ellos, más justificación tendrá la Fundación para seguir dando a conocer al mundo una obra colectiva que está decidida a no seguir estando marginada de las páginas de la historia del arte contemporáneo.
El MEAM se ha convertido en el templo de esa nueva religión, la religión de los que creen, en pleno siglo XXI, en una nueva expresión de la contemporaneidad en el arte. Un arte que ya no se conforma con la experimentación convertida en un fin en sí misma, ni con el permanente ensayo de formas y colores sin lograr producto definitivo alguno, ni con el culto al ruido por el ruido, ni con la fabricación de montajes cinematográficos condenados al aburrimiento. Y esa nueva expresión requiere, de nuevo, un arte directo, expreso, rotundo, absoluto, real, inteligible y genial, capaz de generar ilusiones y de despertar admiraciones en amplios sectores de la población que, de esta forma, volverán a hacer las paces con el arte de su tiempo y a soñar con ilusiones hoy por hoy totalmente olvidadas.
Y es que el arte ha de ser asimilable por parte del espectador, ha de ser capaz de hablar su lenguaje, de generarle ilusiones, de despertar admiración, de abrir la caja de los sueños. El arte ha de ir dirigido al hombre de la calle, no al erudito ni al especialista. El arte ha de hablar el lenguaje del pueblo, no el de los académicos.
El intelectual puede escribir interesantes ensayos sobre la esencia del arte, pero el artista no vive de esos ensayos. Los académicos pueden aplaudir a artistas ya consagrados, pero eso no va a garantizarles en absoluto poder sobrevivir a su tiempo. Lo único que da sentido al arte es su capacidad de conectar con la gente, de llegar a las personas de su mismo momento histórico, de llegar a la sensibilidad de un espectador medio y seducirle. Y lo cierto es que para ello no hacen falta títulos ni diplomas. Basta con saber crear.
La abstracción, y todos los ismos que nacieron y progresaron como un proceso de ruptura con el arte a lo largo del siglo XX, han acabado alimentando generaciones de artistas que ahora se sientan en las academias y los museos de arte contemporáneo, y que imponen sus cánones estéticos de forma absolutamente intransigente en todas las instituciones oficiales. La experimentación copa todas las ferias y manifestaciones del arte más actual, como si de su propio coto privado se tratara. Y aquel olor inicial de aire fresco, de ruptura, de novedad, casi de bohemia, que llevaban consigo las vanguardias de hace cien años, ha dado paso a un tremendo tufillo a rancio, a manido, a repetitivo, a formal y, en resumen, a aburrido. Porque, en verdad, resulta que al final no hay nada más aburrido que la reiterada repetición de lo que se dice es novedoso cuando ya ha perdido el encanto de la novedad.
El arte moderno que, hasta ahora, se creía con el derecho de apropiarse de forma exclusiva del calificativo de o contemporáneo, ha dejado de decir cosas interesantes, y se limita a mantener los intereses de un mercado que lo necesita para no derrumbarse. El mercado del arte contemporáneo es un monstruo que se retroalimenta, que mantiene a sus monstruos sagrados en urnas de formol, que vive de nombres que ha hecho artificialmente famosos pero que ya han perdido todo atractivo, y que sólo se mantendrá mientras tenga capacidad económica para mantener el “bluf” en las páginas de la crítica internacional.
Lo que el MEAM presenta, lo que el MEAM representa, es sencillamente otra forma, profundamente original y novedosa, de ver y sentir el arte de nuestros días. Y, al cabo de unos pocos años de andadura, la revolución que en el mundo de los creadores ha supuesto esta bocanada de aire fresco irá llegando poco a poco a todos los rincones, generando una nueva forma en concebir los derroteros del arte contemporáneo.
Es un retorno a los orígenes que se nos habían ocultado repetidamente. Es una recuperación del contenido de aquellos museos que se nos había prometido iban a destruir. Es el reconocimiento de unos valores que se han negado, y aún hoy se niegan, en universidades y escuelas. Es el valor de la calidad como algo importante, por encima de la simple novedad. Es la recuperación de la tradición, es el retorno al oficio, es la importancia del trabajo personal en soledad como fuente básica del hecho creativo, es el culto al genio (hasta ahora desacreditado), es el reconocimiento de las obras de los grandes maestros como una flecha que indica el camino a seguir. Es el retorno a virtudes como la perseverancia, la constancia, la creación personal, la tenacidad y el culto a la propia personalidad, frente a las terribles imposiciones del mercado, frente a las directrices de marchantes y críticos involucrados con el sistema. Es abandonar la demagogia para retornar a la intimidad del taller del artista, es el retorno al culto a la creación personal, es el place, el inmenso placer de hacer del propio ego la obra de arte suprema, a través de una profesión elaborada, meditada y largamente perseguida.
La colección Arte Contemporáneo Figurativo S. XXI, que forma uno de los fondos más apasionantes del arte de nuestros días en nuestro país, es un homenaje a todos esos artistas que nos han acompañado en esta larga andadura, que han trabajado con nosotros para que un cada vez más creciente público pueda disfrutar de su obra, y que siguen trabajando con la ilusión de llegar a crear una obra que les sobreviva, que supere nuestras pequeñas y breves vidas, y que finalmente sea admirada y reconocida por la mayoría de nuestros contemporáneos.
El MEAM no puede disimular su orgullo al ser la primera institución, con una sede física real, estable y permanente, que se atreve a presentar una gran colección de obras de arte de artistas vivos, que el público aprecia y aplaude. Y a la vez en el MEAM sentimos la frustración de no disponer de medios suficientes para incluir en esta muestra la obra de tantos otros artistas, igualmente exquisitos, que no han podido ser incluidos entre las paredes de nuestro museo. Esperamos poco a poco ir subsanando esta situación, logrando que cada vez lleguemos a más artistas y a más países, en esa corriente, que ahora ya resulta imparable, y que está cambiando los fundamentos mismos del arte contemporáneo.
Que el visitante que entre a conocer este espacio lleno de sensibilidad, aprenda a pasearse por sus salas, paladeando los numerosos y exquisitos rincones que alberga, paladeando la sensación de placer que pintura, escultura y música quieren proporcionarle, para dejar en él un recuerdo imborrable. Cada una de las obras expuestas en nuestras paredes está colocada para acompañarle en su estancia entre nosotros y para, después, cuando vuelva al mundo exterior, dejar en su ánimo un bello, íntimo y reconfortante recuerdo, la sensación de que otro mundo también es posible.
José Manuel Infiesta (April 14, 1949, Barcelona, Spain – October 8, 2021, Barcelona, Spain) was a Spanish architect and writer with a strong commitment to cultural promotion. He founded and directed the European Museum of Modern Art (MEAM) in Barcelona, an institution dedicated to exhibiting figurative works of art. A friend of Jorge Mota, he was one of the first members of CEDADE.
Manifesto in favour
of a new concept for Contemporary Art
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In June 2011, the MEAM was finally able to open, under the sponsorship of the “Foundation for the Arts and Artists”, a foundation created in 2005 to promote figurative artists. The MEAM thus became the first and most direct material expression of a journey of work and effort that the Foundation has maintained since its beginnings. The opening of the Museum was not the end of any stage, but was the beginning of a journey that, in a short time, has had an influence on wide sectors of international contemporary art.
The opening of this museum represented a turning point in the level of penetration of figurative art in wide sectors of modern-day society, and has produced a change of perspective by many professionals in art, who began to understand that art in our century already needs new approaches and challenges, highly disassociated from canons and clichés inherited from the previous century.
The early days in the running of a private non-profit Foundation, not supported by any public institution or by any big company or by any powerful sponsor, have not been easy; neither the early days nor those that followed. This is because, just after starting, the deep economic crisis drastically cut the financial possibilities with which the Foundation had counted on to be able to grow. Its founder, José Manuel Infiesta, architect and property developer, saw how in 2008-2009 all his professional projects collapsed in a heavy earthquake that has left architects and constructors on the edge of the abyss. The truth is that, at a given moment, very few people believed in the survival of an institution that had been founded with such signs of weakness and so lacking in institutional or financial support.
However, the Foundation has found an unexpected base of solidity and a wide-ranging support in specific sectors of society: it is the effort of the artists themselves. It is the support of thousands and thousands of authors that, year after year, have rewarded it with their recognition and have made the Foundation the real expression of the struggle of each one of them to achieve recognition from society. The fact is that the Foundation now is, and will be, what the artists want it to be. They are the excuse that justifies its existence. And the more cohesion and unity there is between them, more justification will the Foundation have to carry on publicising to the world a collective work that is resolute in not continuing to be marginalised from the pages of contemporary art history.
The MEAM has become the temple of this new religion, the religion of those that believe, well into the 21st century, in a new expression of what is contemporary in art. Art that no longer conforms with experimentation turned into an end in itself, nor with the permanent essay of forms and colours without achieving any definitive product, nor with the worship of noise for noise’s sake, nor with the manufacture of film montages condemned to boredom. And this new expression once again requires a direct, express, rounded, total, real, intelligible and brilliant art, capable of generating hopes and arousing admiration in wide sectors of the population who, in this way, will make their peace with the art of their time again and dream with hopes that are today completely forgotten.
The fact is that art must be easily assimilated by the spectator; it must be capable of speaking their language, of producing hope in them, of arousing admiration, of opening the box of dreams. Art must be aimed at the man in the street, not at the learned or the specialist. Art must speak the language of the people, not that of the academics.
The intellectual can write interesting essays about the essence of art, but the artist does not live from these essays. The academics can applaud already consecrated artists, but this is not going to guarantee them in any way the ability to survive in their time. The only thing that gives meaning to art is its capacity to connect with the people, of reaching people of its same historical moment in time, of reaching the sensitivity of an average spectator and seducing them. And the fact is that to do that we do not need qualifications and diplomas. It is enough to know how to create.
Abstraction, and all the isms that were formed and progressed like a process of breaking with art throughout the 20th century, have ended up feeding generations of artists that are now sitting in the art schools and contemporary art museums, and who impose their aesthetic canons absolutely intransigently in all the official institutions. Experimentation monopolises all the fairs and the most current demonstrations of art, as if it were its own private reserve. And that initial scent of fresh air, of rupture, of innovation, almost bohemian, that took with it the vanguards of one hundred years ago, has given way to a rancid, gamy stink, repetitive, formal and, in brief, boring. Because, in reality, in the end there is nothing more boring than the reiterated repetition of what they say is innovative when it has already lost the charm of the novelty.
Modern art which, until now, believed it had the right to exclusively appropriate the qualification of being contemporary, no longer says interesting things, and limits itself to maintaining the interests of a market that needs it in order not to collapse. The contemporary art market is a monster that is self-perpetuating, that maintains its sacred monsters in formaldehyde urns and that lives from names that have been made artificially famous but which has now lost all its attraction, and which will only be maintained while it is capable of maintaining the “bluff” in the pages of international criticism.
What the MEAM presents, what the MEAM represents, is simply another way, profoundly original and innovative, of seeing and feeling art in our times. And, after some years of progress, the revolution that in the world of creators has meant this breath of fresh air will gradually reach all the corners, generating a new way of devising the courses of contemporary art.
It is a return to the origins that they have repeatedly hidden from us. It is a recovery of the content of those museums which they promised they were going to destroy. It is the recognition of values that they have rejected, and still reject today, in universities and schools. It is the value of quality as something important, over and above the simple novelty. It is the recovery of tradition, the return to the artful trade, it is the importance of personal work in solitude as a basic source of the creative act, it is the worship of genius (until now discredited), it is the recognition of the works of the grand masters like an arrow that shows the way to follow. It is the return to virtues such as perseverance, constancy, personal creation, tenacity and the worship of the very personality, against the terrible impositions of the market, against the guidelines of dealers and critics involved with the system. It is abandoning demagogy to return to the intimacy of the artist’s studio, it is the return to the cult of personal creation; it is the pleasure, the immense pleasure of making the supreme work of art from the ego itself, through an elaborated, meditated and lengthily pursued profession.
The collection of 21st-CENTURY CONTEMPORARY ARTISTS, which forms one of the most passionate collections of art of our times in our country, is a homage to all those artists who have accompanied us on this long journey, who have worked with us so that an increasingly growing public can enjoy their work, and who continue working with the enthusiasm of creating a work that will outlast them, that surpasses our small and brief lives, and which finally is admired and recognised by the majority of our contemporaries.
The MEAM cannot hide its pride on being the first institution, with a real physical, stable and permanent headquarters, that dares to present a grand collection of works by active artists that the public appreciates and applauds. Nevertheless, at the MEAM we also feel frustration for not having the sufficient means to include in this sample the work of so many other artists, equally exquisite, that have not been able to be included between the walls of our museum. We hope that we will gradually put right this situation, ensuring that we reach more and more artists and in more countries, in this current, which is now unstoppable, and which is changing the very foundations of contemporary art.
We hope the visitor who enters to discover this space full of sensitivity, learns to stroll around its rooms, savouring the many and exquisite corners that it houses, savouring the sensation of pleasure that painting, sculpture and music want to give them, to leave in them an indelible memory. Every one of the works shown on our walls is placed to accompany them in their stay with us and, afterwards, when they return to the outside world, to leave in their soul a beautiful, intimate and comforting memory, the feeling that another world is also possible.